Kr.

Sonja Allgaier
Anton Bošnjak
Robert Crotla, Volkan Özekcin
Sophia Eham
Beate Engl
Delio Gennai
Lou Jaworski
Jens Kabisch
Alexander Laner
Stefan Lenhart
M8
Fumie Ogura
Jonas von Ostrowski
Martina Riescher
Clea Stracke & Verena Seibt
Alexander Steig
Lorenz Straßl
Patrik Thomas, Miri Chekhanovich,
Alexandre Hupé
Julien Viala
Mitra Wakil
Martin Wöhrl

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www.spreez.de

Die in München lebende Künstlerin Agnes Jänsch (*1980) wird mit ihrem ambitionierten Projekt »The film inside your head« den gesamten Ausstellungsraum des Kunstraums in einen begehbaren Film verwandeln.

Die raumgreifende Videoinstallation erzählt in sieben Film-/Audiosequenzen von einer jungen Frau, die in ein Dorf kommt, sich dort niederlässt und eine Weile lebt, um anschließend aus nicht eindeutig geklärten Gründen wieder zu verschwinden. Die Hauptperson nimmt nicht nur wegen ihrer Herkunft eine Außenseiterstellung im Gefüge der Dorfgemeinschaft ein. Sie passt sich den Erwartungen und sozialen Normen nicht an, sondern scheint ganz ihrem eigenen Koordinatensystem zu folgen. Sie wirkt mal selbstbewusst, mal somnambul, mal verunsichert, aber immer in gewisser Weise fremd und exzentrisch. Die einzelnen Sequenzen ergeben in der Zusammenschau ein kaleidoskopartiges Persönlichkeitsbild der Hauptfigur, die sich in keine Kategorie einordnen lässt, sondern ihre Autonomie behauptet. Wenn die Hauptperson schlussendlich das Dorf verlässt, bleibt offen, ob dies aus eigenem Willen oder aufgrund sozialen Drucks geschieht. Je nachdem wie der Betrachter die einzelnen modularen Elemente der Geschichte interpretiert, kommt er zu dem Schluss, dass die Bewohner des Dorfes der jungen Frau nichts Gutes wollen und sie letztendlich aus dem Dorf vertreiben. Oder er gewinnt den Eindruck, die junge Frau spielt mit ihren Mitmenschen. Eine Geschichte voller Anspielungen und Doppeldeutigkeiten.

In ihrer Form der raumgreifenden Installation, wie sie Agnes Jänsch in ihrem Projekt realisiert, ist ihre Arbeit in der Tradition des »Expanded Cinema« der 60er und 70er Jahre zu verorten. Künstler wie Nam June Paik lösten den Film aus seiner Präsentation in der Einkanal-Version und schafften damit die Erweiterung in den Raum. Dabei musste sich das Expanded Cinema nicht nur neuen Fragen zu Narrationsstrategien bzw. deren Auflösung zugunsten einer Selbstreflexivität des Mediums stellen, sondern leistete auch einen fundamentalen Beitrag zum Einzug der Medien- und Filmkunst in den Kanon der Bildenden Kunst. Während allerdings das Expanded Cinema narrative und dramaturgische Spuren zu tilgen versuchte, verfolgt Jänsch eine gegenteilige Strategie. Der Betrachter soll, intuitiv geleitet, eine Narration non-linear erleben können. Verteilt auf den gesamten Raum, ohne vorgegebene Reihenfolge, wird das »Kino« hier individualisiert. Der Betrachter kann die Narration so als eine räumliche Erfahrung erleben, sich durch die Geschichte bewegen und wird dadurch selbst zum Teil der Installation.

Bei der Umsetzung ihrer filmischen Werke arbeitet Agnes Jänsch mit einem professionellen Filmteam und erlangte so unlängst nicht nur im Bereich der Bildenden Kunst Aufmerksamkeit. Anfang des Jahres war sie Preisträgerin des Stuttgarter Filmwinter. Für die Realisierung des Projekts »The film inside your head« erhielt sie das Projektstipendium für Bildende Kunst der Landeshauptstadt München.

Kuratiert von Monika Bayer-Wermuth


Die Ausstellung wird gefördert durch die Landeshauptstadt München, das Bayerische Staatsministerium für Bildung und Kultus, Wissenschaft und Kunst, durch Fortis Green Film & Medien, durch die Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung und durch Spenden.

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Matze Görig und Franka Kaßner stellen im Kunstraum ihre neuesten Arbeiten vor:

Matze Görig zeigt in der oberen Etage seinen Film durch »Hain und Aue« und Franka Kaßner unten ihre Installation »Sie weint trocken«. An seinem Animationsfilm durch »Hain und Aue« (28 min.) hat Matze Görig seit 2012 gearbeitet. Seine digital-analoge Konstruktion setzt sich aus hunderten Fotos und Videos zusammen. Zu dem Thema hat der Künstler sich unter anderem von Hieronymus Boschs Triptychon »Der Garten der Lüste« und Johannes Brahms’ Duett »Die Meere« inspirieren lassen. Der Film erzählt Geschichten und Legenden, die eine eigene Welt zwischen Leben und Tod erschaffen.

Franka Kaßner hat einen Raum entworfen, in dem sie »Mutter Beimlein« (Text: Bertolt Brecht, Musik: Hanns Eisler) singt. Das groteske Motiv – die Protagonistin ist trotz eines Holzbeins munter und selbstbewußt und unterhält die Familie als Prostituierte – setzt Franka Kaßner mit gebrochener Stimme und bandagiertem Körper in Szene. Sie konterkariert die körperliche Beeinträchtigung von »Mutter Beimlein« bzw. ihre eigene Verletzung mit der Haltung einer heroischen Frauenfigur. In ihrer Installation »Sie weint trocken« wird die Performance als Video (2 min.) gezeigt.

Kuratiert von Dr. Luise Horn

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​Wir laden herzlich ein zur Buchpräsentation von Paula Leal Olloquis erstem Künstlerbuch »WIE VORHER, WIE DAMALS, WIE WANN ES BRENNT, GENAU SO«, das ihr Denken über das Leben, die Arbeit und eine Dokumentation ihrer Arbeit miteinander verbindet.

Gezeigt werden auch die beiden maßgeblichen Audioinstallationen Leal Olloquis »SO MUSS ICH EIGENTLICH WILL« und »EINFACH NUR IST« sowie noch nie gesehene Skulpturen der Künstlerin. Vielleicht gibt es auch Spanisches zu trinken und zu essen, das darf eine Überraschung sein.

Als Grundgerüst der Publikation »WIE VORHER, WIE DAMALS, WIE WANN ES BRENNT, GENAU SO« dient eine dialogische Collage zweier Texte von Paula Leal Olloqui, die in mehreren reflexiven Selbstbefragungen während der Zeit kurz vor dem Diplom entstanden sind. Die beiden Charaktere – einer bedacht, fragend, analysierend, ratgebend, der andere impulsiv, aktiv, chaotisch – ringen im Dialog um Antworten auf Fragen des Lebens und der Kunstproduktion. Einzelne Sätze/Worte werden dabei selbst zur Skulptur. Paula Leal Olloqui arbeitet an den Grenzen der Materialität und ihrer eigenen Kraft. Wachs, Ton, Holz werden auf waghalsige Weise miteinander verbunden, aneinander aufgerichtet. Dieser Formfindungsprozess wird über viele Seiten hinweg eingeführt, von vagen Umrissen zu Experimenten, zu ersten Objekten und Skulpturen bis hin zur Rauminstallation. Am Ende steht wortlos ein »Rundgang« durch Paula Leal Olloquis Diplomausstellung »WOHIN LAUFEN DIE MÄDELS«?

Paula Leal Olloqui
WIE VORHER, WIE DAMALS, WIE WANN ES BRENNT, GENAU SO
17 × 24 cm
160 Seiten, Offset
offene Fadenheftung, schwarzer Faden
Nummerierte Edition von 200 Stück
mit je einer Papierarbeit von Paula Leal Olloqui
Mit Texten von Sabine Weingartner und Alexander Samsonow
Englische Übersetzung von Duncan Swann
Spanische Übersetzung von Paula Leal Olloqui
HAMMANN&VONMIER Verlag, München 2015

Paula Leal Olloqui, geb. 1984 in Madrid, hat Bildende Kunst an der Universidad Complutense in Madrid studiert und 2007 mit Master und 2008 mit Staatsexamen abgeschlossen. In München war sie Studentin der Bildhauerei bei Prof. Hermann Pitz und Prof. Olaf Metzel an der Akademie der Bildenden Künste. 2011 bekam sie den Preis für ausländische Studierende des DAAD Stipet Progreamms. 2013 wurde sie bei Prof. Olaf Metzel zur Meisterschülerin ernannt. Paula Leal Olloqui bekam für ihre Diplomausstellung »WOHIN LAUFEN DIE MÄDELS«? im Jahr 2015 den Preis der Debütantenförderung.

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Justin Lieberman liest aus seinem Buch »The Corrector’s Custom Pre-Fab House« (Ed. Le Confort Moderne, Poitiers 2015)

Im Anschluss ist Justin Lieberman im Gespräch mit Jena Balton-Stier.

Jena Balton-Stier (geb. 1980 in Memphis/TN) ist Kunsthistorikerin und Übersetzerin und hat in Chicago (M.A. Kunstgeschichte, Kritik und Theorie, Art Institute of Chicago) studiert. Seit 2010 lebt und arbeitet Balton-Stier in München.

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Der Kunstraum München zeigt in Deutschland die erste Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers Justin Lieberman. Eine eigens für die Räume des Kunstraums konzipierte Installation spielt mit Referenzen aus Literatur und Kunstgeschichte. 125 things aus Konsumkultur, von Freunden oder dem Archiv des Künstlers lassen den Kunstraum zu einem Ort der Entdeckung werden.

Eines der 125 things ist eine Zeichnung Liebermans, die eine riesige Schildkröte auf einem Teppich zeigt. Lieberman nimmt hier in ironisierender Manier Bezug auf Joris-Karl Huysmans Erzählung »À rebours«, dem Kultbuch der l’art-pour-l’art Bewegung. »Es war ein Buch voller Gift. Es war, als haftete seinen Seiten ein schwerer, sinnverwirrender Duft nach Weihrauch an«, schrieb Oscar Wilde voller Begeisterung über den Roman des Ästhetizismus und der Dekadenz. Der Protagonist Jean Floressas Des Esseintes versucht in einer Manie für das Verschwenderische und den Luxus dem Positivismus des 19. Jahrhunderts zu entfliehen. Seine Verschwendungssucht gipfelt mit der Anschaffung einer Riesenschildkröte, die Des Essentes mit Edelsteinen und Gold verziert, einzig zur Dekoration seines Orientteppichs vorsieht und endet letztlich im Tod. In Liebermans Werk wird die Geschichte weitererzählt, nun aber unter vollkommen neuen Vorzeichen…

Das Prinzip der Aneignung, sei es aus der Philosophie oder der Konsumkultur, bildet das Leitmotiv im Produktionsprozess des amerikanischen Künstlers Justin Lieberman. Zitate aus Texten und Bildern finden sich nicht nur in seiner Malerei, sondern auch in seinen skulpturalen und multimedialen Arbeiten. Liebermans Bildsprache operiert häufig mit ironisierenden Mitteln und einer teils subversiven, teils sarkastischen Gesellschaftskritik. Auch seine eigene Arbeitsweise thematisiert er – vor allem in jüngeren Arbeiten – als Bestandteil eines ökonomischen Systems.

Justin Lieberman (geb. 1977) ist Künstler, Autor, Kurator und Lehrer. Der in Gainesville, Florida geborene New Yorker hat in Yale (MFA Yale University, New Haven, Connecticut) und Boston (BFA School of the Museum of Fine Arts, Boston) studiert. Er war Professor am Queens College, New York und der Brandeis University, Boston sowie visiting lecturer an der Columbia University, NY, am Hunter College, NY, bei MassArt, Boston, am Maryland Institute College of Arts (MICA), Baltimore, an der Rutgers University, New Jersey und zuletzt an der progressiven BHQFU, New York. Derzeit vereint eine Schau in Poitiers Arbeiten aus den vergangenen 10 Jahren aus dem Werk des Künstlers (»Je t’Empire«, Entrepôt Galerie du Confort Moderne, Poitiers, Frankreich, bis 23.08.). Seit letztem Jahr lebt und arbeitet Lieberman in München.

Kuratiert von Monika Bayer-Wermuth

Studio for Propositional Cinema wurde 2013 durch einen öffentlichen Aufruf zum Handeln im Kunstverein Düsseldorf begründet. Durch Sprache, Handlungen, Geräusche und Bilder, durch Produktion, Publikationen, Ausstellungen und Fiktionen, versuchen sie, Kultur von einem Netzwerk ideologischer Formationen in einen Dialog hypothetischer Gesten zu rekonfigurieren.

Studio for Propositional Cinema hat kürzlich ausgestellt bei Tanya Leighton Gallery, Berlin, Between Arrival & Departure, Düsseldorf sowie Museum Morsbroich, Leverkusen und wird im November 2015 im Mumok, Wien, »We Are a Parasite on the Institution of Cinema, An Institution of Parasite: 1st Studio for Propositional Cinema Film Festival« präsentieren.

Sie haben kürzlich Publikationen von Keren Cytter und Christopher Williams herausgegeben und ihre letzte Ausstellung, welche Arbeiten von Marcel Broodthaers, Tony Conrad, Moyra Davey, Jason Dodge und Dorothy Iannone beinhaltet, wurde in ihrem Ausstellungsraum in Düsseldorf am 30.05. eröffnet.

Die Performance wird von einer neuen Publikation begleitet werden und ist eng verbunden mit der Performance »In Like a Lion and Out Like a Leech: A Lecture in Ten Scenes at Kölnischer Kunstverein«, welche Mittwoch, 03.06. stattfinden wird.

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Babi Badalov (geboren 1959 in Aserbaidschan) beschäftigt sich mit visueller Poesie, die er »Migrant Poetry« oder »Actuality Poetry« nennt. Seit 2008 lebt er als Flüchting in Paris. Sein Leben und seine Freiheit werden täglich durch seinen politischen Status eingeschränkt und sein Alltag ist durch die Auseinandersetzung mit starken kulturellen Unterschieden geprägt. Dabei stellt Sprache für Badalov eines der größten kulturellen Hindernisse für den Prozess der Integration dar.

In seinen Arbeiten wird der Betrachter mit der Sprachbarriere konfrontiert, die sowohl zu Sprachverwirrungen als auch zu kulturellen Identitätskonflikten führen kann. Er experimentiert mit Worten und Schriften, mischt Sprachen und Mentalitäten westlicher und östlicher Kulturen. Seine Kombination von kyrillischen, lateinischen, persischen und russischen Buchstaben mit verschiedenen Sprachen schafft unerwartete Verbindungen und freie Assoziationen sowie Wortspiele mit ironischen politischen Kommentaren.

Für den Kunstraum München wird Badalov hauptsächlich mit Collagen arbeiten: Verschiedene von ihm entworfene Schriftarten, orientalische Ornamente und Dichtungen werden mit unterschiedlichsten gedruckten Materialien wie Fotos, Postkarten oder Werbebroschüren kombiniert. Diese sammelt er als eine Art Tagebuch seit Jahren täglich auf den Straßen der von Immigranten bewohnten Viertel in Paris.

Aus der Verarbeitung dieses Materials entstehen die narrativen Collagen seiner »Migrant Poetry«/»Actuality Poetry«, die neue Realitäten in Europa porträtieren und beleuchten; Realitäten, die oft, vor allem in reichen Städten wie München, unterdrückt werden: Immigration, Multikulturalismus und Konflikte aufgrund einer wachsenden muslimischen Bevölkerung. Jüngste Ereignisse wie z.B. die Anschläge in Paris und Kopenhagen oder der Aufstieg von »Pegida« (Patriotische Europäer gegen die Islamisierung des Abendlandes) in Deutschland unterstreichen die Aktualität seines Unterfangens.

Kuratiert von Emily Barsi

Es erscheint eine Edition aus sechs Collagen, die als Teil der Ausstellung zu sehen waren und von Babi Badalov als Edition für den Kunstraum ausgewählt wurden.

http://www.babibadalov.com

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Hepiniz Davetlisiniz Buyurun Gelin!

Berthold Reiß schreitet durch das Deutsche Generalkonsulat in Istanbul, eine Tasche umgehängt und ein Bierglas in der Hand, flankiert von einer Riege Kellner, die den Ankommenden Getränke reichen und auf dem Foto wirken, als würden sie dem Künstler Spalier stehen. Unweigerlich ist man an Propheten der Kunst und die Selbstinszenierung eines Künstlers erinnert.

In der Ausstellung mit dem Titel »PROTOKOL« zeigt Berthold Reiß Arbeiten, die während seines Aufenthalts 2014 an der Tarabya Kulturakademie in İstanbul entstanden sind. Der türkische Begriff »PROTOKOL« ist namensgebend für die Schau und weist auf einen offiziellen Charakter. Ein Protokoll kann wie im Alltag die Aufzeichnung eines Treffens oder einer Sitzung sein. Es kann aber auch – wie in der Diplomatie – im Voraus festlegen, was bei einem solchen Anlass zu tun und zu lassen ist. Der Titel »PROTOKOL« im Sinne von Niederschrift bzw. Vorschrift ist daher, trotz seines bürokratischen oder förmlichen Klangs, ambivalent. Er kann eine Rückschau meinen, aber auch eine Vorausschau.

Die Ausstellung »PROTOKOL« fragt nach der Funktion von Kunst in Institutionen außerhalb des Kunstbetriebs. Die verdichtete Form, die diese Funktion annehmen kann, wird in der Tradition oft positiv, in der Moderne dagegen meist negativ als Staatskunst bezeichnet. Dem doppelten Sinn des Titels entsprechend dokumentiert und inszeniert Berthold Reiß im Kunstraum seine Arbeit in Istanbul aus dem vergangenen Jahr.

Die Ausstellung wird gefördert von

»Sie sind nicht von hier

and I come from them…«

Musikerin Manuela Rzytki und Künstlerin Anna McCarthy entwerfen zusammen ein Raumkonzept zu Rzytkis jugoslawischer Familien- und Musik-Tradition. Hintergrund ist die Geschichte ihrer donauschwäbischen Vorfahren – einer Mischkultur, die seit Jahrhunderten, insbesondere seit dem 1. Weltkrieg, Siedlungspolitik, Migration, Grenzverschiebungen, Krieg und Flucht ausgesetzt war.

Geschichte und Geschichten leben fort in der Gegenwart. Die Großfamilie bildete für Rzytki einen sozialisierenden Raum, der Erfahrungen, Erzählungen von Leid, Krieg und Glück und insbesondere auch Liedgut an die Nachkommen tradierte. Erinnerungen von Flüchtlingen wie sie uns heute in Zeiten globaler Krisen wiederbegegnen. Die Geister einer Vergangenheit wie der europäischen kehren wieder.

Die Stimme der Großmutter, Geräusche, Bilder, Musik, Möbel, Klang, Objekte. Eine musikalische Séance im Geisterhaus; die Familie wird zum Hirngespinst; das verwobene Sinngeflecht verdichtet sich in sprechenden Küchentischen und erzählenden Tapeten. Musique d’ameublement.

Dieses auratische System von formalen Schichten und inhaltlichen Referenzen spitzt sich an drei Abenden performativ zu. Als wollten die Geister der Vergangenheit durch Live-Musik rituell beschworen, gebannt oder erlöst werden…

Die Musik des Eröffnungsabends fließt in die Installation der Ausstellung ein. Im Laufe des Produktionsprozesses entsteht außerdem Tonmaterial, das im Herbst auf Vinyl erscheinen wird.

Der Kunstraum bietet eine Edition dieser 7“-Single an.

Mitwirkende:

Manuela Rzytki ist Musikerin, Sängerin und Produzentin. Sie ist Gründerin der Band Parasyte Woman und bekannt durch ihre Mitwirkung in den Musikprojekten G.Rag und die Landlergschwister (auch Zusammenarbeit mit Schlachthofbronx), Kamerakino, Salewski und diversen Theaterproduktionen am Residenztheater, den Münchner Kammerspielen und dem Volkstheater.

Künstlerin Anna McCarthy ist Absolventin der Akademie der Bildenden Künste München und der Glasgow School of Art und arbeitet multidisziplinär: Sie ist Bassistin und Sängerin der Münchner Band Damenkapelle, inszeniert Theaterstücke (»Ich dachte man darf alles«, Maximiliansforum, 2010), stellt regelmäßig im In- und Ausland aus, zuletzt »NA-EN-DE-NA–EN-DE-NA-WIDA« (Schaustelle Pinakothek der Moderne, 2013), »How to Start a Revolution: The Musical« (Haus der Kunst, 2013) und »Heute Nachmittag Als Wir Noch An Was Glaubten, 1914/2014: Der Große Krieg, Erinnerungen an EuropaH« (München, 2014). Außerdem veranstaltet McCarthy Lese- und Konzertreihen u.a. »No Country for Odd Poets« im Kunstverein München.

Außerdem zu Gast:

Tobias Laemmert (Protein, Parasyte Woman)
Thomas Wühr (Tom Wu, Das Weiße Pferd)
Maximilian Bräunlich (Joe Masi, Das Weiße Pferd)


Mit freundlicher Unterstützung des Kulturreferates München.

In Kooperation mit Schamoni Musik und Favorit Bar.

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Beate Engls Künstlerbuch »APPARAT« ist anlässlich ihrer gleichnamigen Einzelausstellung im Lichthof des Badischen Kunstvereins erschienen. Die Publikation bündelt eine Auswahl von Engls Arbeiten aus den letzten Jahren, die sich mit Symbolen der Repräsentation und Propaganda befassen. Fahnen, Megaphone, Rednertribünen, Werbedisplays und andere Elemente des öffentlichen Raumes bilden die Basis ihrer Skulpturen. Engl hinterfragt auf spielerische Weise die Machtrhetorik dieser Objekte und verfremdet sie bis hin zu revolutionärem Kitsch.

Anlässlich der Buchpräsentation wird Beate Engls »Agitator 2.0« im Kunstraum München installiert.

Beate Engl APPARAT
Hg. von Beate Engl und Anja Casser/Badischer Kunstverein
Verlag Silke Schreiber, München 2014
40 Seiten, Deutsch/Englisch
24 × 19,5 cm
Softcover mit je einem von drei verschiedenen Postern als Schutzumschlag
20 € / 18 € für Mitglieder

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(1) Als im Jahr 2234 die Argonauten die Sonne erreichen und der Stahlpanzer ihres Raumschiffs in das gleißende Weiß des Strahlenkranzes eintaucht, verschmelzen Mensch, Maschine und Sternenmagma zu quecksilbrigem Gold, das sich spritzend mit der brodelnden Sonne vereint. Zu Tropfen zerstoben verdampft das Schiff im erlöschenden Licht – die Sonne verblasst: Besiegt und tödlich getroffen versinkt ihr endlich errungenes goldenes Vlies in ewiger Dunkelheit.
(2) Der sonnenhafte Kraftmensch entsteigt ihrer Asche – das 20. Jahrhundert beginnt.
(3) Technologischer Fortschritt und Abstraktion ziehen als neue Fixsterne am Himmel auf. Ihre elektrischen Funken dringen in alle köhlernen Poren der Weltsubstanz, Stromstöße wirbeln die Elementarteilchen zu flimmernden Staubwolken auf, Elektroschocks durchzucken die lebendigen Seelen.
(4) Die Materie funkt, die Mentalhülle schwingt. Und das Sägemehl leuchtet wie Sonnenfunken. Schöne schreckliche Moderne. Schöne schreckliche Geschwister: Technik und Abstraktion.

(1) In seinem Text »Die Argonauten« beschreibt Andrej Belyj 1904 mit der Metapher der Argonautenfahrt den Aufbruch des Menschen zur Sonne als Aufbruch in ein neues geistiges Zeitalter. »Das goldende Vlies« war eine symbolistische Zeitschrift und Künstlervereinigung, die von 1906 bis 1909 in Petersburg bestand. Ihr gehörte unter anderem Aleksandr Blok an.
(2) Die Oper »Sieg über die Sonne« wurde 1913 in Sankt Petersburg uraufgeführt. Das Libretto stammt von Alexej Krutschenych, die Musik von Michail Matjuschin und die Kostüme sowie das Bühnenbild von Kasimir Malewitsch. 1923 hat El Lissitzky eine gleichnamige Mappe mit Druckgrafiken realisiert. Das Stück handelt davon, wie der Mensch die Sonne besiegt und vom Himmel auf die Erde holt.
(3) Zur Verbindung zwischen technologischen Neuerungen und Abstraktion sowie zwischen Okkultismus und Avantgarde vgl. gleichnamigen Ausstellungskatalog, hrsg. 1998 von Veit Loers. Zur Elektroschocktherapie vgl. u.a. Antonin Artaud.
(4) Die Textstellen beziehen sich auf den Roman »Die weiße Taube« von Andrej Belyj, der 1905 in Petersburg erschienen ist. Die Sekte der »Tauben« erwartet darin inmitten der gesellschaftlichen Umwälzungen Russlands die Geburt eines neuen Erlösers.

Hansjoerg Dobliar (geb. 1970 in Ulm) greift in seinen Ölbildern, Zeichnungen und Übermalungen vielfach Bildmotive der klassischen Moderne und des Expressionismus auf und überführt diese in seinen meist großformatigen Bildern in Öl auf Leinwand in eine opulente, zugleich ironisch-trashige Bildsprache. Die Auswahl der im Kunstraum gezeigten Arbeiten konzentriert sich weniger auf die klassischen Leinwand-Bilder Dobliars, sondern auf eine Reihe von Übermalungen und Zeichnungen sowie Prints, die auf »armen« Materialien wie Verpackungskartons, Malunterlagen, Plakatabrissen etc. ausgeführt sind. Die Ausstellung widmet sich damit den eher beiläufig während des Malprozesses entstandenen Nebenprodukten, auf denen Dobliar mit wenigen, sparsam eingesetzten malerischen Eingriffen agiert. Die maltechnisch bewusst eher unterinvestierten und farblich gedämpften Bilder korrespondieren mit inhaltlichen Bezügen zu technologischem Fortschritt und thematisieren so die grundlegend ambivalente Spannung zwischen Technik und Abstraktion, wie sie für die Kunst nach 1900 charakteristisch ist. In ihrer Reduktion und Fragilität lassen die Arbeiten eine Ästhetik des Flüchtigen und Lapidaren für die Gegenwart produktiv werden, die die allgemeinen Fragen nach dem Verhältnis zwischen Schönheit und Schrecken der Moderne, zwischen Romantik und Kritik, zwischen Emphase und malerischer Distanz, erneut aufwirft.

Kuratiert von Daniela Stöppel