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Die Einzelausstellung »Frau S. und ihr Mann« zeigt eine Auswahl von Arbeiten der Künstlerin Heidi Mühlschlegel, vorwiegend im Medium der Malerei. Deutlich wird ihre kontinuierliche Arbeit an einer eigenständigen Formensprache, die sich durch eine starke Buntfarbigkeit, geschichtete Übermalungen und applikative Erweiterungen des Bildträgers auszeichnet. Ihre Motive sind oft der Alltagskultur entnommen oder beruhen auf persönlichen Begegnungen oder Beobachtungen. Traumhaft aufgeladen lassen sie einen Bildkosmos entstehen, in dem Reales und Imaginiertes permanent ineinander übergehen.

Heidi Mühlschlegel (*1970 in Biberach an der Riß) hat an der Akademie der Bildenden Künste München und der Akademie der Bildenden Künste in Wien studiert. Ihre meist installativen Arbeiten waren in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen. Zudem war sie als Kuratorin für die Ponybar und den Lothringer13/Laden, München, tätig. Sie lebt und arbeitet in Biberach an der Riß und München.

Kuratiert von Daniela Stöppel

Foto © Kinkaleri, 2020

(for English, please scroll down)


is it my world? ist ein Wanderprojekt von Kinkaleri, das eine einfache Frage zu den politischen und künstlerischen Möglichkeiten des Individuums stellt. Ein Projekt zur persönlichen und kollektiven Erforschung der Menschheit in einer Zeit, in der alles an Grenzen stößt und jeder die Aufgabe hat, sich die veränderten Möglichkeiten der Zukunft vorzustellen.

is it my world? durchquert in einem Flaggenrennen die Stadt und zieht die Aufmerksamkeit der Passanten auf sich. Die Staffelläufer tragen eine Fahne, die, anstatt eine Identität zu schaffen, eine Frage stellt. Die Aktion wirft eine Frage auf und ist gleichzeitig auch ein Zeugnis. Es ist ein Versuch, die Geschichte der Menschheit zu hinterfragen und sie in eine andere Richtung zu lenken, als die Richtung weiterzuverfolgen, die uns dorthin geführt hat.

is it my world? ist eine utopische Herausforderung, eine Hinterfragung und Kritik der Idee, dass es keine andere Welt geben kann als die, die von den bestehenden gesellschaftlichen Organisationen bestimmt, geliefert und erlitten wurde, und die nun ihre Grenzen und ihre unerwünschten Folgen aufgezeigt bekommen hat.

is it my world? ist ein Wanderprojekt, das nach Rom in München ankommt. Die Etappe in München folgt einer festgelegten Route, die von mehreren Darstellern/Läufern in einer Art olympischem Staffellauf durchlaufen wird, in dem Körper und Wort in einer einzigen poetischen Geste verschmelzen. Die geplante Route verläuft durch Orte der Stadt und verbindet diese gezielt—Orte, die durch unterschiedliche Lebensformen, durch Symbole der individuellen und kollektiven Geschichte, durch wechselndes Ambiente gekennzeichnet sind. Ein Weg, dessen roter Faden eine Frage aufwirft, die eine Auseinandersetzung mit der gegenwärtigen Komplexität und vielfältige Reflexionen erfordert.

Die Gruppe Kinkaleri wurde 1995 in Florenz im Rahmen des Centro Popolare Autogestito (CPA) Firenze-Sud gegründet. Derzeit besteht die Gruppe aus Massimo Conti, Marco Mazzoni und Gina Monaco. Sie definieren sich als eine dynamische Gruppe, deren Interesse darin besteht, Werke unter Verwendung vielgestaltiger Methoden wie Theater, Tanz, Architektur und Video zu schaffen. Die Arbeiten von Kinkaleri sind national und international bekannt und wurden bei wichtigen Veranstaltungen und in Institutionen wie der Biennale Danza (Venedig), dem Centre Pompidou (Paris), dem Santarcangelo Festival (Santarcangelo di Romagna), dem Amperdans Festival (Antwerpen), dem Luigi Pecci Zentrum für zeitgenössische Kunst (Prato) und der Bologna Modern Art Gallery präsentiert.

Im Laufe der Jahre hat sich bei Kinkaleri keine bevorzugte Darstellungsart ergeben, sondern sie haben die Möglichkeiten des Ausdrucks und der Präsentation einer Vorstellung und Idee ständig erweitert durch revolutionäre Handlungen, Worte und Gegenstände und durch das Aufwerfen immer neuer Fragen. Die Interaktion mit und die Beziehung zu ihrem Publikum sind ein grundlegendes Element ihrer Performance-Praxis.

Die Performance, der Start des Staffellaufs, beginnt um 15 Uhr und endet um ca. 16 Uhr.

Route: Monopteros (Englischer Garten), Hofgarten, Maximilianstraße, Lehel, Haus der Kunst, Geschwister-Scholl-Platz, Siegestor, Leopoldstraße, Giselastraße, Ausgangspunkt Monopteros.

Die Performance wird unter Befolgung der Coronaschutzverordnung durchgeführt (ab dem 18.10.20 gültige Fassung), wobei Versammlungen und direkte körperliche Interaktionen vermieden werden.

Ein Gastprojekt des Kunstraums München

Kuratiert von Emily Barsi und Alessandra Poggianti

Unterstützt von

Fotos © Kinkaleri, 2020

Zoom Talk #3:
Freitag, 04.09., 18–19 Uhr
»Local and Global Collaborations«

Extended Opening:
Freitag, 11.09., 15–21 Uhr

Curatorial Talk:
Samstag, 12.09., 15 Uhr
»What Does Responsive Curating Mean?
About Exhibitions on Flash Drive«

Finissage / Guided Tour / Last View:
Sonntag, 25.10., 16–19 Uhr

Für die »Guided Tour / Last View« gelten die Anforderungen für Führungen nach
der 7. Bayerischen Infektionsschutzverordnung §11(3). Das heißt ein
Mindestabstand von 1,5 Metern muss grundsätzlich eingehalten werden.

»Responsive Curating« experimentiert mit der »Ausstellung« als ein universal verstandenes Medium unter den aktuellen pandemischen Vorzeichen wie den dazugehörigen digitalen und politischen Umgebungen. Der Kunstraum München ist die zweite Station der Ausstellungsreihe, die im indischen Bangalore startete. An jedem Ausstellungsort werden die Arbeiten neu realisiert auf der Grundlage digitalisierter Pläne. Sie greifen formale Prinzipien der instruction-based art der 1960er Jahre auf, folgen jedoch Anforderungen heutiger kultureller Produktion wie z.B. Responsivität oder objektbasierter Vektorgrößen. Nach der Ausstellung werden die Arbeiten entweder an Sammlungen vor Ort verkauft oder in den jeweils lokalen Entsorgungskreislauf integriert. Zu sehen sind Arbeiten internationaler Künstlerinnen und Künstler, die die Möglichkeiten des Settings erforschen.

Kuratiert von Ralf Homann (Kunstraum, München) mit Uwe Jonas (studio im HOCHHAUS, Berlin), Suresh Kumar und Surekha (BAR1, Bengaluru).

In ihren raumbezogenen Mixed-Media-Installationen kombiniert die Künstlerin Cordula Schieri Videosequenzen mit Bronzeobjekten und handgefertigten Textilien. Das Hinterfragen konventioneller Geschlechter- und Rollenbilder stellt dabei den inhaltlichen Schwerpunkte dar.

Zunächst studierte Cordula Schieri Bühnenbild bei Katrin Brack. Nach dem Wechsel zur Freien Kunst schloss sie in diesem Jahr ihr Studium an der AdbK München bei Stephan Huber und Alexandra Bircken sowie bei Emma Hedditch und Melanie Bonajo ab. Im Anschluss wurde sie für den Förderpreis der Stadt München nominiert und entwarf Kostüme für die Inszenierung MESSY HISTORY LESSONS (DIGITALE SKIZZE) der Münchner Kammerspiele.

Die Künstlerin wird die Residenz nutzen, um ihre Ideen weiterzuentwickeln und an diversen Projekten an der Schnittstelle zwischen Bildhauerei und Medienkunst zu arbeiten.

Fotos © Cordula Schieri

Der Kunstraum stellt das Obergeschoss des Hauses im Juli der Südtiroler Bildhauerin Claudia Barcheri für als einmonatigs Sommeratelier zur Verfügung. Claudia Barcheri hat zunächst an der Academy of Fine Arts Bologna und anschließend an der AdbK bei Olaf Metzel studiert.

Die Künstlerin weitete während ihres kürzlich beendeten Stipendiums an der Cité des Arts in Paris ihre Untersuchungen des »armen Material« Gips aus; von diesen »skulpturalen Skizzen«, diesen dünn gegossenen und eingefärbten Bozzetti ausgehend, wird Barcheri ihren Ansatz raumgreifender Oberflächentransformation zwischen Malerei und Objekt vertiefen.

Fotos © Leonie Felle

FURNITURE FOR LOS ANGELES

Kuratiert von Konstantin Lannert
Mit Fotografien von Nicolas Wefers

Während die Architekturbiennale 2021 in Venedig im Titel fragen wird »How will we live together?« oder die Kunsthalle Wien 2017 zeigte »How to live together« wird im Kunstraum München ab dem 11.06.2020 in einer Ausstellung gemeinsam diskutiert, gestritten, gelebt. Denn in der Wanderausstellung FFLA geht es um Existentielles.

Ein fertiges Interieur empfängt die Besucher*innen. Die von Jonas von Ostrowski entworfenen und gebauten skulpturalen Wohnelemente – die zukünftigen Möbel des »House with clear shapes and a complex entrance«* – stellen Präpositionen für ein Seinsgefühl dar. Wie wollen wir leben? In welchen Räumen, an welchen Orten, mit welchen Dingen? Welche Rolle übernehmen dabei künstlerische Visionen? Wie und mit wem werden wir kooperieren, arbeiten, sein?

Unsere physische und sinnlich wahrnehmbare (Um)Welt, zusammengesetzt aus Lebewesen, Natur und daraus wiederum gefertigten Dingen, prägt nicht nur unser Sein, es ist, was wir sind. Andersherum: wir sind, was da ist. Die uns umgebende Welt, beziehungsweise das, was wir davon bewusst und unbewusst wahrnehmen, lässt uns unsere Leben so leben, wie wir das jeweils individuell und gemeinsam machen. Womöglich ist unser Gestaltungsraum dabei relativ gesehen gering. Dass aber eine »Vita activa« – welche an dieser Stelle eben nicht als Gegenpol zur »Vita contemplativa«, sondern sozusagen als dessen logische Folge betrachtet werden soll –, ein Hineingreifen in die uns umgebende Welt, das Kneten des Existenzteiges, auf uns selbst und andere einen Einfluss hat, davon sind wir überzeugt.

Nur welche Formen wünschen wir uns für das Sein, wie sollen die Etwasse ausschauen, sich anfühlen, riechen und schmecken, in und mit denen wir gemeinsam leben? Welche Entwürfe von Welt sind denkbar, wie wollen wir diese diskutieren und welche setzen wir um, bauen wir auf?

FFLA ist als Wandersalon dieser und ähnlichen Fragen gewidmet.

Bevor im Juni diesen Jahres das Kunstprojekt Los Angeles im nordhessischen Günsterode* eröffnen wird, reist die Ausstellung »FFLA« von München, dem Ort ihrer Entstehung, über Frankfurt nach Günsterode. Dort kommt es zur finalen Aufstellung im »House with clear shapes and a complex entrance«*. Anschließend werden die FFLA das Mobiliar für Resident*innen aus aller Welt sein, wird auf und mit ihnen gedacht und gemacht, gesessen, gegessen und geträumt werden.

Vorher aber laden wir Alle ein Benutzer*innen dieser Möbel und Proberesident*innen von Los Angeles zu werden; An der Diskussion drängender Fragen unserer Gegenwart teilzunehmen, Fragen, für deren Beantwortung das klassische Denken in Disziplinen schon lange überflüssig geworden zu sein scheint, in denen sich Ideen aus Kunst, Architektur oder den Geistes- und Naturwissenschaften mischen, in denen die Wiese zur Bühne, die Scheune zum Reagenzglas und das Dorf Günsterode zum Observatorium der Welt wird.

* LOS ANGELES ist ein Kunstraum. Auf dem 3000 m² großen Grundstück am Rande des Dorfes Günsterode unweit von Kassel entsteht in den nächsten Jahren ein bewohnbarer Skulpturengarten, der aus sich selbst heraus wächst und sich weiterentwickelt. LOS ANGELES ist Treffpunkt und Arbeits- und Aufenthaltsort für Künstler*innen, Architekt*innen und Theoretiker*innen. Aufenthalte in LOS ANGELES haben das Ziel der Herstellung von künstlerischen Arbeiten, idealerweise ortsspezifisch und ortsgebunden. Die so in LOS ANGELES entstehenden Objekte, Skulpturen oder Installationen werden teilweise auch praktisch notwendige Strukturen, beispielsweise zum Schlafen, Essen, Arbeiten etc. bieten.

Begleitend findet ein aus Workshops, Seminaren, Ausstellungen und Künstlerresidencies bestehendes und von Konstantin Lannert und Jonas von Ostrowski kuratiertes Begleitprogramm statt. Zu Veranstaltungen und Besichtigungen öffnet sich LOS ANGELES für Besucher.

Das Projekt LOS ANGELES dreht sich um Themen wie das utopische Moment des Bauens, die Potenziale einer ländlichen Umgebung gegenüber einem urbanen Kontext, die Zusammenhänge von alltäglichen Notwendigkeiten und künstlerischen Fragestellungen und die Möglichkeiten einer selbstorganisierten Form von Kunst.

Im Juni 2020 wird LOS ANGELES mit der Fertigstellung des ersten bewohnbaren Objekts, dem »House with clear shapes and a complex entrance«, eröffnet. LOS ANGELES ist ein Projekt des Künstlers Jonas von Ostrowski.

LOS ANGELES und das »House with clear shapes and a complex entrance« wird realisiert in Zusammenarbeit mit dem Architekten Philipp Nitsche.

Fotos: Nicolas Wefers, 2020

»abandoned positions« setzt sich mit dem Irakkrieg von 2003 und seinen direkten wie indirekten Folgen für die Region und Europa auseinander. Zwischen 2015 und 2018 interviewten Sebastian Hirn und Lisa Hörstmann Aktivist*innen, die 2003 mit dem Ziel, die Invasion zu verhindern, in den Irak reisten, irakische Flüchtlinge, Mitarbeiter*innen von Hilfsorganisationen und Journalist*innen sowie amerikanische Irakkriegs-Veteran*innen. In einer Zusammenstellung der Interviews mit dokumentarischem Film- und Tonmaterial werden Entwicklungslinien aufgezeigt, die von der Neuausrichtung amerikanischer Außenpolitik nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion bis in die politische Situation der Gegenwart reichen. Die Arbeit gibt den unterschiedlichen, teils widersprüchlichen Perspektiven und Erfahrungen Raum und lässt sie kommentarlos nebeneinander stehen. Den Besucher*innen wird die Möglichkeit gegeben, sich ein eigenes Bild jenseits der herkömmlichen Berichterstattung zu machen.

Die Recherche wurde ermöglicht durch das Spielart Festival, das Kulturreferat der Landeshauptstadt München, die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa, das Santa Fe Art Institute (New Mexico) und das Bemis Center for Contemporary Arts (Omaha, Nebraska).

Kuratiert von Nina Holm

Zur Ausstellung erscheint eine Edition.

Die Ausstellung wird gefördert durch den Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V. und den Bezirk Oberbayern.

»Code and shadow; reverse TRIO« entsteht im Kunstraum als eine performative Raumstruktur. Sie wird von drei Tänzer*innen aktiviert und untersucht körperliche Handlung als sprachliche Struktur. Ausgehend von Alltagsbewegungen werden Zusammenhänge von Bewegung, Rhythmus und Sprache hergestellt und ihre Lesart untersucht. Kommunikationsbewegungen bilden das Bewegungsrepertoire der Tänzer*innen, wobei die Bewegungen durch ihren ursprünglich alltäglichen Gebrauch einen für die Betrachter*innen lesbaren Code in sich tragen und so körperliche Zugänglichkeit ermöglichen. Innerhalb der Performance transformieren sich die Bewegungen, verlieren ihren Kontext und erreichen neue Formen, indem sie zu einem körperlichen Abdruck oder Schatten der Ursprungsbewegung entwickelt werden. Es entsteht so ein eigenständig neuer Code, der seinen eigenen Kontext produziert. Die einzelnen »Körper im Raum«, Besucher*innen, Tänzer*innen, Raumstruktur und Notation treten als eigenständige Zustände zurück, während ihr Zusammenhang und ihr mimetisches Potential vorrangig wird. Somit nehmen die Körper eine Art Platzhalterfunktion ein, um Raum und Bewegung als Potential und situatives Moment zu verstehen. Handlung wird als verbindendes Element zwischen Raum und Körper eingeführt.

Im Kunstraum wird die Performance an drei Tagen über je drei Stunden als begehbare Raumstruktur gezeigt.

Als Teil der Performance erscheint ein Booklet in Zusammenarbeit mit dem Hamman von Mier Verlag. Es stellt eine Navigation durch den Tanz und die Raumstruktur dar und erzeugt einen neuen Zugang zur Bewegung.

Lena Grossmann ist bildende Künstlerin und Choreographin (Studium an der AdbK München bei Prof. Olaf Nicolai und Studium der Musikkomposition (MA) an der ZhdK Zürich bei Prof. Isabel Mundry). Ausgehend von analytischen und praktischen Auseinandersetzungen mit Bewegungsabläufen im Tanz erarbeitet sie sich in ihrer künstlerischen Praxis eine Bandbreite an Möglichkeiten, sich dem Verhältnis von Körper und Raum anzunähern. Sie entwickelt Formate aus verschiedenen Elementen der Choreographie, des Bühnenbilds, der Notation der Komposition und der Skulptur. In der Verbindung von Bildender Kunst und Tanz sucht sie neue Körper- Form- und Bildsprachen. Ihrem interdisziplinären Ansatz folgend arbeitet Lena Grossmann an einem Bewegungs-Notationssystem, das ein Denken in Bezügen zwischen Raum und Körper verbildlicht. So sucht sie neue Zugänge zu Übersetzungsfragen und zum strukurerweiternden Denken im choreographischen Bereich. Der Körper wird zum Denken aufgefordert.

Künstlerische Leitung und Choreographie: Lena Grossmann (München)
Tanz: Jonas Maria Droste (Berlin), Kelly Kaspar (Biel, CH), Yurika Yamamoto (Essen)
Raum: Annabell Lachner (München) und Lena Grossmann

Publikation: Hamman von Mier Verlag (München)

Kuratiert von Nina Holm

Die Ausstellung wird gefördert durch das Kulturreferat der Landeshauptstadt München und den Bayerischen Landesverband für Zeitgenösischen Tanz (BLZT) aus Mitteln des Bayerischen Staatministeriums für Wissenschaft und Kunst.

Fotos © Elke Dreier, 2020